Dear Science (2008) – 132 jours, 478 albums

Ce sont des albums comme Dear Science qui valent ce défi. On finit par se fatiguer des albums trop similaires, que ce soit du rock, de la pop, du hip hop, du blues ou du jazz. Bon, peut-être pas le jazz… Mais une fois de temps à autre, un album si nouveau et si différent surgit.

TV on the Radio, c’est un peu comme de la pizza. Il est impossible de deviner le goût de la pizza si l’on n’en a jamais mangé. Même si vous connaissez parfaitement le goût du pepperoni, de la tomate, de la mozzarella et de la pâte, la pizza est quelque chose d’autre. Quelque chose de plus que la somme de ses composantes.

C’est la même chose avec Dear Science. On peut y retrouver le son 8-bit et écorché du lo-fi mêlé à des cuivres tonitruants (Dancing Choose), le funk, le hip hop et le wall of sound, muni de quelques sons électro (Golden Age), la réverbération d’un piano accompagné de violons sur une mélodie mélancolique qui grandit pour devenir immense et claire (Family Tree), de l’émotion déchirante (Love Dog), des rythmes enflammés et des percussions africaines (Red Dress)…

Tout y est. Cherchez.

Surtout, le tout est habité d’un certain mysticisme, d’une ambiance aérienne, parfois même méditative. Halfway Home vous enveloppe dès l’ouverture de l’album. Il vous saisit. J’ai écouté ce morceau, déjà, des douzaines de fois. Et encore, il m’émeut.

On finit par se fatiguer de tous les styles. Pour certains, par contre, c’est plus long. Et le post-rock a encore, j’en suis sûr, plusieurs surprises dans sa poche.

Come On Feel the Illinoise (2005) – 224 jours, 509 albums

Un monde de rêveries et de couleurs, teinté de chamber pop aux violons et à l’instrumentation classique et de folk-rock indie: c’est ce qu’offre Sufjan Stevens sur son album Come On Feel the Illinoise (ou Illinoise pour les intimes). Une musique personnelle et intime. Une perle à découvrir.

Le folk mesuré de Jacksonville m’a fait rêver de grands chemins, de prairies et de soirées à la campagne. Chicago m’a donné des frissons avec ses violons et sa voix à fleur de peau. La composition a un quelque chose de rêveur, de fabuleux, de divin. Le morceau ressemble à une confession innocente et à une aventure épique à la fois.

Et que dire du piano! Il traverse tout l’album avec ses notes claires, ses accords bleus, son jeu parfois joyeux, parfois mélancolique. Il expose toute sa splendeur dans le frissonnant The Seer’s Tower: un morceau qui m’a tiré quelques larmes.

Tout l’album est une merveille, un sac au trésor où se cachent des rêves, des couleurs (souvent bleues), des cieux au crépuscule ou à l’aube. Il est habité milliers d’instruments: autant de violons, de vibraphones, de tambours, de guitares, de chant qu’il est possible d’en rêver. Il séduit dès le piano mélancolique de Concerning the UFO Sighting Near Highland, Illinois, et nous transporte tout l’album durant, sans jamais nous laisser retomber au sol. On se sent un peu comme Peter Pan, qui aurait connu une peine d’amour.

En bonus:

1977 (1996) – 225 jours, 512 albums

Indie, pop, punk, britpop: on a parfois de meilleurs résultats lorsqu’on ne se cantonne pas à un seul style. Ash joue la musique qu’il a à jouer. Et ensuite, on peut tenter de circonscrire sa musique en deux ou trois styles et influences. À ce titre, 1977 a sa personnalité.

Dans certains morceaux on sent un rock indie pas trop loin de nous. Ailleurs c’est le punk qui ressort, avec son ton sec, dur et épuré, mais rend presque pop, avec la mélodie mise en vedette. Partout on sent l’influence britannique, l’irrévérencieux britpop.

Les ambiances aussi varient à souhait. Lose Control ouvre par ailleurs avec puissance, sans concession, alors que Goldfinger suit avec quelque chose de plus émotif. I’d Give You Anything rappelle le rock de garage et Kung Fu mise sur une mélodie pop et accrocheuse. Innocent Smile est saturé de guitares et de batterie mais dans un environnement contrôlé, et Lost in You donne clairement dans la balade.

Il ne s’agit peut-être pas d’un incontournable, mais le groupe parvient à affirmer sa personnalité. Sans être une découverte, cet album mérite bien sa place ici.

Dig Me Out (1997) – 225 jours, 512 albums

Rage, guitares et punkettes: le punk n’est pas mort avec les années 80. Ni leur révolte d’ailleurs. Les membres du groupe féminin Sleater-Kinney s’en assurent. Avec Dig Me Out, on a l’impression d’être projeté 10-15 ans en arrière, durant les heures de gloire du style: même fougue, même énergie juvénile, même musique bruyante et vitriolée. Mais avec sa touche indie, ce groupe du mouvement riot grrrl n’a rien d’anachronique.

L’album a peu de moments faibles. Chacun est éclatant. Que ce soit le suppliant Dig Me Out, le plaintif Turn It On, l’accrocheur The Drama You’ve Been Craving, l’affirmé It’s Enough, le nuancé Little Babies ou l’excellent Not What You Want, la prestation est parfaite.

Un punk mature, féminin et sans concession.

Fuzzy (1993) – 225 jours, 512 albums

Plusieurs genres et styles musicaux permettent de faire vivre des émotions intenses et intimes. Le country s’y prête en particulier, mais il peut paraître trop plaintif pour certains. Grant Lee Buffalo s’en inspire juste assez et comble les trous avec du rock indie. Le résultat sur Fuzzy est son qui rappelle la tourmente du goth rock: quelque chose de sombre, de profond, de personnel.

Dès que débute la mélodie de The Shining Hour, on sent cette tourmente. On sent quelque chose de triste, de dramatique. Mais jamais l’artiste ne cède à l’émotion. Sur Jupiter and Teardrop, l’atmosphère devient plus poignante, mais à peine. On ralentit plutôt le rythme, pour faire perler une larme. Fuzzy est assez introspectif, presque plaintif. Wish You Well est également une perle d’émotion bien sentie.

La musique ressemble à du rock indie lent, auquel on aurait ajouté quelque chose de délicat. C’est le country. Il amène tout un flot d’émotion, mais que Grant Lee Buffalo prend bien soin d’endiguer, pour ne laisser filtrer qu’un mince filet.

Lost Souls (2000) – 229 jours, 520 albums

Ambiance éthérée, mélodies harmonieuses, espace saturé: Lost Souls de Doves est une pop britannique qui fait rêver.

Ajoutez à cela quelques morceaux accrocheurs, des mélodies qui n’ont pas peur de devenir émotives ou d’être légèrement audacieuses, et vous avez cet album qui transporte, qui enveloppe.

Firesuite ouvre l’album avec une ambiance sous-marine qui rappelle Air, avant de tomber dans un drame étrange et voilé. Here It Comes cède à la tentation et à la tourmente (la douce). Sea Song conserve le même aspect tragique, mais semble s’envoler tout à la fois, comme dans un vol au crépuscule, alors que Catch the Sun tombe dans un rock plus lourd et appuyé, mais diablement entraînant.

Plusieurs moments de l’album passent toutefois inaperçus. Les albums de dream pop britannique ne manquent pas: se distinguer est un pari risqué. Le groupe l’emporte sur les morceaux nommés, mais perd sur le reste.

First Band on the Moon (1996) – 279 jours, 536 albums

Candide serait le meilleur mot pour définir la musique du groupe The Cardigans. Les morceaux twee pop et dream pop de First Band on the Moon rappellent les prés ensoleillés et la nostalgie des premiers amours.

Légères, badines et habitées d’une énergie juvénile, ces mélodies ne peuvent que faire sourire, même les journées grises. Le lent Heartbreaker ressemble à une comptine. Mais la plupart des morceaux sont joyeux et énergiques, comme le festif Never Recover, l’accrocheur Your New Cuckoo, ou même le lent mais présent Losers. Des morceaux comme Choke sont plus imposants, en ne perdant rien de leur simplicité et de leur petit côté rêveur.

Si vous connaissez déjà le groupe, ce sera peut-être grâce à Lovefool et ses tendances disco, qui fut un succès en rappelant à certains leurs meilleures années. Pour ma part, je m’en souviendrai pour l’excellente réinterprétation de Iron Man de Black Sabbath, transformé en morceau langoureux et rêveur: un véritable exploit.

Millions Now Living Will Never Die (1996) – 279 jours, 536 albums

Tortoise vous livre des paysages éthérées et complexes de post-rock, qui se dévoilent devant vos yeux dans tous leurs détails. Millions Now Living Will Never Die est une longue expérience contemplative qui mérite d’être admirée.

Djed se développe sur 20 longues minutes, construit par des répétitions électroniques, des vagues de sons oscillantes, des notes de vibraphone et des millions d’autres détails qui se perdent dans les filets d’une aurore boréale sonore. Car il s’agit presque d’un voile fin qui s’agite au vent: délicat et mystérieux. Avec Glass Museum, on se retrouve dans un véritable palais de verre, où le verre teinte et la lumière miroite, avec quelques notes de rock. Sur Along the Bank of the River, l’ambiance est presque jazz, rappelant les pièces méditatives fusion du Pat Metheny Group. La batterie, derrière, fait scintiller le morceau.

Le post-rock étonne encore, dans sa capacité à jumeler les inspirations sans heurts, à tailler les détails sans faute, avec minutie et patience. Tortoise n’échappe à la règle et réalise un fin diamant avec cet album doux et relaxante, et ces morceaux finement ciselés.

The Scream (1978) – 284 jours, 544 albums

Siouxsie and the Banshees offre sa version originale du punk et du post-punk avec l’album The Scream. Avec des mélodies accrocheuses, mais fidèles à la simplicité et à l’énergie du punk, le groupe se taille une place de choix parmi les groupes du style.

Certains morceaux vaudraient aussi la renommer à eux seuls: Jigsaw Feeling et sa structure alambiquée mais accrocheuse, Overground et sa délicatesse pas si délicate, ou Carcass, morceau typiquement post-punk comme on les aime. Suburban Relapse est plus intense, complexe et exigeant. Il est aussi plus gratifiant. Switch ferme l’album avec une structure encore plus travaillé, qui sort presque de la simplicité du punk. On pourrait presque parler de art punk, si une telle chose n’était pas si contradictoire. Et avec cette simplicité complexe (ou cette complexité simple?), l’album est à la fois une écoute facile et gratifiante.

Queens of the Stone Age (1998) – 284 jours, 544 albums

L’arrivée du grunge ne veut pas dire la fin du métal. Et le dosage du métal dans le grunge, ou du grunge dans le métal, peut se faire dans différentes proportions. Queens of the Stone Age, premier album du groupe du même nom, prend juste assez de grunge pour donner du caractère à son heavy metal. L’influence du rock indie vient compléter avec quelques subtilités.

Le son du groupe est juste assez nuancé pour être unique, et juste assez près du reste pour être familier. Il en résulte des morceaux très accrocheurs. Regular John reste dans l’oreille avec ses guitares pesantes qui saturent l’espace. If Only est plus émotif et lent, mais toujours avec une puissance instrumentale. You Would Know est presque éthéré avec ses répétitions. How to Handle a Rope (A Lesson in the Lariat) est plus métallique et agressif.

L’album se termine sur I Was a Teenage Hand Model, morceau expérimental et psychédélique, pour démontrer une dernière fois que l’album est aussi méditatif. Il ne fait pas qu’aligner les morceaux à succès, mais on tombe aussi dans l’ambiance de l’album, comme une expérience. Ce côté de l’album donne une profondeur appréciable à tout l’album.